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Ce travail a été réalisé lors de 3 voyages en Crète, entre 2018 et 2020, avec le soutien du fonds de dotation agnès b.
Les images de ce livre sont toutes issues de la reproduction de cyanotypes réalisés par l’auteur.

Entretiens avec un ensemble d’éditeurs pionniers de livres d’artistes : herman de vries, Michel Durand-Dessert, Guy Jungblut, Yvon Lambert, Irmeline Lebeer-Hossmann, Maurizio Nannucci, Maurizio Spatola.

Cet ouvrage recueille les témoignages, en français, d’un ensemble d’éditeurs de livres d’artistes parmi les premiers. Durant les deux décennies fondatrices 1960 et 1970, ils ont été des pionniers dans le pays où ils exerçaient et où certains exercent encore : herman de vries en Allemagne, Irmeline Lebeer-Hossmann et Guy Jungblut en Belgique, Yvon Lambert et Michel Durand-Dessert en France, Maurizio Nannucci et Maurizio Spatola en Italie.

coll. « Grise » vol. 7

Cet ouvrage recueille les témoignages, en anglais, d’un ensemble d’éditeurs de livres d’artistes parmi les premiers. Durant les deux décennies fondatrices 1960 et 1970, ils ont été des pionniers dans le pays où ils exerçaient et où certains exercent encore : Hansjörg Mayer en Allemagne, Simon Cutts en Grande-Bretagne, Leif Eriksson en Suède.

Ce livre est l’aboutissement du projet Ka Kualmaku mené fin 2018 durant une résidence de l’artiste en Colombie, à Lugar A Dudas, durant laquelle il a entrepris d’apprendre une langue dite « en voie de disparition ». Après de nombreuses présentations, le projet est exposé pour la première fois dans son intégralité à la galerie Florence Loewy du 26 au 28 janvier 2023.

Aussi : est une bibliothèque de souvenirs en écriture. Par une opération d’ordre amoureuse j’ai, dans un premier temps, extrait de ma bibliothèque des livres chargés d’affect. Ces livres qui ont accompagné mes voyages et mes errances d’artiste, mes rencontres, mes oisivetés, mes discussions entre amis. Ces livres qui troublent par leurs seules présences. Puis je les peins, sur fond monochrome, à l’aquarelle. Parallèlement, je déroule à l’écrit les souvenirs qui ont marqué le livre. Des poèmes. Les accotes pour former un couple.

A good work of art can be approached from different angles. A great one can be read upside down. For Leporello N° 06, Maurizio Nannucci continues his explorations of language, which has become a signature of the artist, as manifested across an expansive range of media over the past six decades.

Following Ryan Gander’s moon sequence in Leporello N° 04, Jonathan Monk proposes that a new day is dawning. Saving himself the cumbersome task of yet again* walking in Ed Ruscha’s footsteps along the seemingly endless Sunset strip, Monk captures the zeitgeist through more accessible means. With the camera of his iPhone 12 set to Panoramic mode, Monk photographed Ruscha’s 1966 milestone artist’s book – perhaps the most celebrated book to ever utilize the leporello format.

Contributions by Dietmar Busse, David Carrino, Jeff Davis, Florence Derive, David Dupuis, Gareth McConnell, Jack Pierson, Samoa, Clement PJ Schneider, Janet Stein, Paula Stuttman, Richard Tinkler, Jordan Wolfson.

Tomorrow’s Man 5 comes in five different covers, randomly distributed.

This artist’s book is the book-form of a work by Matt Mullican, « The Meaning of Things (who feels the most pain?) » (2014), con sisting of 676 collages and texts on sheets of standard printing paper.

At the approximate center of each collage is a small image that appears to be a printout of an image procured from the Internet. Around the images are hand-drawn, quasi-calligraphic marks (in black only), curved, giving the impression of an « organic » form in the manner of ornate, rococo frames. The series develops a narrative of interests, practices and collective representations that suggest and disavow each other. Mullican deftly challenges this simple to-and-froing of « virtual » and « real » by suspending the idea that only through the material/physical printing out of the digital images, the content of the images is « restored » back into the « real »—to grasp the « meaning of things » comes at the price of « feeling the most pain ».

Autobiography by Jonathan Monk is the first attempt of display of the artist’s collection of « Crackers » copies by Ed Ruscha. « In my early teens my mother would often react to certain things I did or said with… you must be crackers… » (extract from Monk’s text on the book).

Autobiography by Thomas Hirschhorn is a visual autobiography that through some selected images, narrates the story of the life and career of the artist.

Autobiography by Ignasi Aballí is made up of 64 « años » (years), one for each of the 64 pages. Casually, the artist was born in 1958, it means that he has 64 years old at the time of the publication of the book.

Série photographique documentant les trente-six tentatives de l’artiste de former un cercle dans l’air avec un élastique. En référence aux séries photographiques de John Baldessari : Throwing Four Balls in the Air to Get a Square ( best of 36 tries ), 1974, et Throwing Three Balls in the Air to Get a Straight Line (Best of Thirty-Six Attempts), 1973.

Jochen Lempert’s photographs begin with an encounter: his meeting with plants and animals, real or artificial representations in urban or rural settings, museum displays, scientific books, and more. The resulting images display a certain ease, a proximity that speaks to his comfort around his subjects. Rather than applying his scientific knowledge to what he photographs, he visually invites meaning through the act of seeing. ‘Pairs’ appears with an exhibition of Lempert’s work in Frankfurt am Main, curated by Yasmil Raymond and Deborah Müller. The juxtapositions in this series might be two pictures of the same subject, a pair of animals, or visually evocative matches.

Masanao Hirayama is a painter, drawer, and performer based in Tokyo. His works are filled with black lines which, despite their simplicity, stimulate our consciousness or recognition. Although his lines look like they are drawn with his intuition, he carefully draws the same image over and over again until his intention is eliminated and the line becomes an unconscious act. In this work in book form, widely spaced parallel horizontal lines span page after page, with occasionally a shorter line interjected among the overall sameness of repetition.

A hybrid monograph/artist book of Nathalie Du Pasquier’s work.
Published on the occasion of Nathalie Du Pasquier’s solo show at MACRO – Museum of Contemporary Art of Rome, this book navigates the space between an exhibition catalogue and the artist book with juxtapositions of photographs of Nathalie Du Pasquier’ works, installation views of the show at MACRO, and extracts from texts by various writers and figures fundamental for her practice. These come together to create an extension of the exhibition itself, in a form that channels the spirit of the show: the pages become exhibition spaces embracing associations and combinations allowing for a deeper understanding and exploration of Du Pasquier’s work, and her imagination at large. It is a glimpse into the possibilities offered by her oeuvre, which can be approached, interpreted, and experienced from countless perspectives. It is the very vastness and variety of her work, and her inspirations, that make the exploration of her work—and as a result this publication—non-exhaustive. This publication is part of an ongoing study of her work and documents her exhibition at MACRO, « Campo di Marte, » Du Pasquier’s biggest show to date which brought together over one-hundred paintings, sculptures, drawings, prints, and cabins, from the early 1980s to present day.

This text is the script of a performance by Claude Closky, which took place in February 2022 at the Pernod Ricard Foundation. Invited by Jill Gasparina to an Interview on Art, Claude Closky twisted the exercise by writing a text-partition, based partially on interviews given by the artist since the 1990s.

29 new dreamlike (or nightmarish) living tableaux by Maurizio Cattelan and Pierpaolo Ferrari.

An inventory: Bibliothèque d’un Amateur. Richard Prince’s Publications takes a look at Richard Prince’s library and production of artist’s books published between 1980 and 2020.
This book is not a proper catalogue raisonné, but rather an invitation to browse the library of an amateur’s. It allows us to consider this important aspect of Richard Prince’s work, addressing books as well as the notion of a collection and its incompleteness, revealed here by the « ghosts » of missing books. Richard Prince is an avid book designer and collector; this zeal and fervor transpire in many book works where he photographs books from his collection, transforming a publication in an infinite library.
New expanded edition of the book first published in 2014 (ISBN 978-2-9539347-5-5).

Autobiography by Micah Lexier is apparently just a blank pages book, but it is not. Each page is pierced, and at the back is printed the same colophon. That’s because you can rip off every page of it and fix it everywhere. Micah Lexier identifies the holes as one of the main themes of his practice.

Autobiography is a series by Tonini Editore, published monthly. Each volume is dedicated to an artist, who is free to carry out the topic of the autobiography by means of text or visual supports. Belonging to a series, each book has the same size and maximum amount of pages (64). The selection of the artists participating to the series is coordinated by a scientific committee made up of six renown personalities in the world of the art research and collection: Pedro Barbosa (collector and founder of the Coleção Moraes – Barbosa), Alex Bacon (art historian), Claudio Guenzani (gallery owner in Milan, owner of the Studio Guenzani), Michele Lombardelli (artist, composer, typographer and consultant for several publishing houses), Shwetal Ashvin Patel (writer and researcher, founding member of the Kochi-Muziris Biennale), Christoph Schifferli (collector and scholar), and Valentino Tonini (director of the homonymous publishing house).

Autobiography by Claude Closky is a question about identity and social media. On a dark mode theme colored background, tens of « Claude » of different genres and identities are displayed in sequence. What is the real « Autobiography »?
Autobiography is a series by Tonini Editore, published monthly. Each volume is dedicated to an artist, who is free to carry out the topic of the autobiography by means of text or visual supports. Belonging to a series, each book has the same size and maximum amount of pages (64). The selection of the artists participating to the series is coordinated by a scientific committee made up of six renown personalities in the world of the art research and collection: Pedro Barbosa (collector and founder of the Coleção Moraes – Barbosa), Alex Bacon (art historian), Claudio Guenzani (gallery owner in Milan, owner of the Studio Guenzani), Michele Lombardelli (artist, composer, typographer and consultant for several publishing houses), Shwetal Ashvin Patel (writer and researcher, founding member of the Kochi-Muziris Biennale), Christoph Schifferli (collector and scholar), and Valentino Tonini (director of the homonymous publishing house).

In the 1960s and 70s, the town of Baile Tusnad in Romania was famous for holidays and weekends enjoying the town’s hot springs and spas. The pictures tourists often took home would depict the German Sheperd dog of the local photographer George Nitescu. A unique star in almost every picture taken home from Baile Tusnad.
Hours after capturing the moment, pictures could be collected from the dog’s home; photographer Nitescu’s urban villa – a place where the tourists mingled with the locals.
The pictures in the book show changing faces, the past sights of a Romanian city in its prime, and one photogenic German Shepherd dog without a name.

Erik Kessels & Valentin Forgoros

This book of photographs is the long-awaited sequel to A NOT B (2010). Again, quotidian items are staged and captured through the unblinking eye of the camera. Yet the images are no longer set in the innocent atmosphere of the preschool years, when the world is read through analogies, but catapulted into a darker space of representation at the cusp of adolescence, against the backdrop of a hyper-commercialized world.

The compositions seduce the viewer into a distinctive play with logic, language and meaning. Like protean characters in a play, objects transform from their humble selves into abstract shapes discharged of meaning or, alternately, star as products with ascribed values, advertisements for themselves charged with desire or bad omens of an ominous future. Design by Julia Born.

« Ce projet découle d’une réflexion autour de la trace dans la performance. J’ai entrepris un projet de congélation de vêtements de performances comme processus d’archivages de ces dernières. Ces diverses recherches entre performances, installation, photographies, m’ont amenée à concevoir un livre d’artiste au delà de la seule documentation de ce projet.En collaboration avec les graphistes Rovo, nous avons pensé ce livre dans une dimension évolutive et modifiable gardant cette idée de transformation et de mouvement présent dans mon travail. Il peut être activé et visible de diverses manières (livret / plan / objet dans l’espace). »
Texte d’Emilie Franceschin

FR/ Ce projet a pour origine l’intérêt renouvelé de l’artiste pour la pièce Rhinocéros (1959) d’Eugène Ionesco. La publication contient des images des œuvres présentées dans l’exposition, conçues au cours des quatre dernières années, ainsi que des archives et du matériel de recherche qui ont déclenché leur conception, à l’instar de la pièce de théâtre, le livre fondateur « Psychologie des foules » (Paris, 1895) de Gustave Le Bon, et des citations de journaux et de magazines actuels. Il comprend un texte de Rebecca Geldard traitant des principaux enjeux de l’exposition.

EN/ The reference of this project is to be found in the artist’s renewed interest in the play Rhinocéros (1959) by Eugène Ionesco. This interest was activated by the current polarized social and political climate. The publication will contain images of the featured works in the exhibition, conceived in the last four years, as well as archive and research material that triggered the conception of them, such as the play itself, the seminal book “Psychologie des foules (The Crowd: A Study of the Popular Mind)” (Paris, 1895) by Gustave Le Bon and quotes from current newspapers and magazines. It includes a text by Rebecca Geldard dealing on the main issues of the show.

Published on the occasion of Vittorio Santoro’s solo exhibition at Kestner Gesellschaft, Hannover, Feb.– May 2022

« Le classeur intitulé LJC Ephemera réunit 115 documents dont les faces recto-verso sont reproduites en vis-à-vis, à échelle 1, sur des feuilles de papier à petits carreaux. Au sein de cette édition se succèdent ainsi des reçus et tickets de caisse, des coupures de presse, des tickets d’entrée pour des expositions ou des spectacles, des notes sur des post-it, des cartes de visite d’hôtels et restaurants, des cartons d’exposition. Certains de ces objets sont annotés avec des dates et lieux de rendez-vous, des noms d’artistes ou diverses inscriptions, mémos pour des projets en cours.
Ces ephemera, ainsi que les désigne le titre imprimé sur le classeur, proviennent de 49 carnets de notations, entre les pages desquels 650 papiers et documents ont été conservés au fil du temps par Lefevre Jean Claude, puis scannés en 2009, date à laquelle il prit la décision de cesser de rédiger ses carnets et de les archiver. Pour le classeur constituant le premier tome de la série, les carnets de 1 à 17 (1988-1995) ont été pris en compte.Depuis la fin des années 1970, au travers de LJC Archive, Lefevre Jean Claude s’emploie à rendre compte de ce qu’il nomme le « travail de l’art au travail ». Ainsi sa démarche consiste-t-elle à inventorier et à retranscrire l’ensemble des faits qui confère à son travail même un ancrage dans la réalité sociale de l’art — qui est aussi, en grande partie, celle de sa vie. [...] »

Extrait du texte de Jérôme Dupeyrat

Sept affiches dépliantes, avec un texte de Martin Herbert.
Publié à l’occasion de l’exposition éponyme au M – Museum, Louvain, de novembre 2013 à février 2014.

Livre d’artiste réalisé à partir d’une série de photogrammes de petites grenouilles qui se déplacent à la surface des pages du livre.
Quatre grenouilles apparaissent en négatif et déambulent parmi les pages du livre. 4 Frogs est un jeu formel, qui contraste avec le reste du travail de Jochen Lempert. Biologiste de formation, il entreprend dans son oeuvre photographique une patiente observation de la nature, tout en témoignant et mettant en perspective nos représentations du monde organique. Par une approche évoquant Jean Painlevée, il propose ici un regard à la fois nouveau et archaïque sur l’animal, dont les mouvements semblent émaner de la page. Fixés dans un déplacement chaotique, les reflets des batraciens s’organisent pourtant sous notre regard en des sortes de constellations, en une organisation presque sensible et qui indique à notre vue la frontière de notre compréhension du vivant.

Conçu comme une sculpture en papier en trois dimensions proposant huit points de vue, ce livre pop-up est un hommage à la scène culturelle du livre contemporain et à la rencontre ludique de différents réseaux dans lesquels des auteur.es, des expositions, des publications, des événements et la production de publications évoluent dans l’espace réel.Contrairement aux livres ordinaires, la couverture du Space Book of Book Space s’ouvre à 360 degrés en position verticale et, grâce à des aimants intégrés, se transforme en un objet présentant un décor en trois dimensions. Comme les pièces contiguës d’une maison, ses quatre parties déploient des re-compositions en trois dimensions de lieux et d’événements qui mettent en lumière le travail autour du livre dans le domaine de l’art.

Une de ces vues présente l’arrangement de livres comme un espace intertextuel et inter-objets ; une autre montre des auteur.es rassemblé.es en conversation autour de leurs ouvrages ; une troisième nous permet d’entrevoir un agencement de livres dans une exposition. La pièce D est consacrée au rayonnement de l’art conceptuel et de ses stratégies artistiques, depuis la création d’objets-livres jusqu’à la performance et les happenings. Les salles 7 et 8 traitent de l’autoédition (le projet No-ISBN) dans le domaine de l’art à l’âge du numérique, et de l’émergence d’internet comme média de masse.

A selection by Martha Wilson of pages from her diaries that document her experience as a woman and artist between 1965 and 1983.

Five Portraits of the Insane by the nineteenth century French artist Théodore Géricault are said to be all that remain of originally ten commissioned portraits of insane patients. Each painting depicts a particular mental condition, a so-called monomania including a kleptomaniac, a woman mad with envy, a child kidnapper. Almost nothing is known about these portraits, but they raise a multitude of questions. Who are these people? In what way are they insane? What and where are the five missing madnesses? Intrigued and inspired by an absence, Tan decides to go in search of them. Pairing personal impressions with formal analysis and archival research, the essay ventures far beyond the boundaries of art history.

The Supporters envisions a system of dependency that places each entity (Künstlerhaus Stuttgart, Kunstverein Nürnberg, and Galerie Max Mayer) in a looping circuit ofdonations that implies flows of reciprocal demands and compensations. Negotiations took place between 2019 and 2021. The envisaged scenarios were confronted with legal, ethical and interest impediments. An agreement is signed in extremis.

« Crise de foie recense tous les desserts au chocolat que j’ai mangés dans l’année, du 2 décembre 2020 au 2 décembre 2021. Le 2 décembre est la Journée internationale de commémoration de l’abolition de l’esclavage. Je me sens dans la vie en permanence balancée entre la conscience et l’oubli, mes actions sont régulièrement en contradiction avec mes idées ou mes croyances, on appelle cela la dissonance cognitive.L’industrie du chocolat, comme celle du café, du sucre et du tabac s’est construite sur l’esclavage. Le rôle historique de la traite négrière dans l’avènement du capitalisme industriel a été démontré. »
Christine Demias

Champs libres remet en question tout un système de contrôle, de standardisation, d’obligations administratives, de « sacrifice de l’individualité sur l’autel de la rationalisation » et propose un espace d’expression libre.

My Backside revient sur l’exposition éponyme de Jonathan Monk qui a eu lieu à la librairie Florence Loewy du 1er février au 14 mars 2020. Durant celle-ci, tous les livres de Jonathan Monk, étaient présentés retournés, de façon à ne montrer que les quatrièmes de couverture. Ce catalogue rejoue ce geste de retournement en donnant à voir les légendes des images par transparence, au verso de chaque page.

Forsythia, Lilac and Geranium est une édition d’artistes faisant suite à l’exposition éponyme de Raffaella Della Olga, Camila Oliveira Fairclough et Elsa Werth, qui s’est tenue du 4 février au 22 avril 2021 au Cabinet du livre d’artiste, dans un contexte de crise sanitaire et, par conséquent, sans public.
Si l’événement a dû trouver d’autres modes d’existence – du storytelling aux imprimés qu’il a générés – ce sont ses vecteurs et rapporteurs indirects qui ont donné corps au projet d’édition : pièces de l’exposition, mais aussi cartons et affiches d’invitation, newsletters, fiches de salles, cartels, catalogues, photographies, archives, etc.

SIDE A has beeen composed from words out of “Cities in Flight” a four volume Sci-Fi novel written by James Blish between 1950 and 1962 and published in 1970. Science Fiction envisiones alternative worlds, it opens up new possible realities. This book represents one amongst a potentially unlimited range of possibilities that words and its combinations have to offer. I selected each word,  page after page words arrange themselves into  new constellations of  sentences, creating a coherent narrative.

In Zitronen Wal Seife (Lemon Whale Soap) the soap follows the shape of the hands and becomes a lemon which becomes a whale in order to turn into a soap and disappear.
The raw materials turn into natural recognizable shapes in order to disappear and change into another form. Each image becomes a word within a story of transformation and memory. Ponge’s reference to the soap as a “Chinese fish” that flips out of one’s hand mirrors the appearance and disappearance of the image, as the full meaning stays impossible to grasp. The installation Zitronen Wal Seife (slides, sound, scent) was first shown during Ines Lechleitner’s solo exhibition “Wa(h)lverwandtschaft“, curated by Emilie Bruner at galerie kunstbüro, Vienna.

A collection of hands and flowers taken out from do it yourself Ikebana arrangement books.

Victor Levai explore les formes liées à l’univers minéral et végétal. Elevé dans une région montagneuse, ­Levai est un artiste qui arpente et observe de manière méticuleuse des territoires naturels. Alors qu’il capte des cohérences qu’il qualifie d’«aventureuses», les sculptures qui naissent de ses cheminements réels et imaginaires traduisent la part poétique de l’artiste.

Cet ouvrage a été réalisé à l’occasion de son exposition personnelle à la Maison des Arts de Grand-Quevilly en collaboration avec les graphistes Alyssia Lou et Zoé Quentel, ouvert par un texte de Joël Riff.
L’édition présente des reproductions des œuvres présentes dans l’exposition ainsi que des pages regroupant des photos du quotidien et des inspirations, proposées comme clés de lectures de son travail de sculpteur.

To coincide with the exhibition by Fiona Banner at Frith Street Gallery the artist has published a new book titled ‘PERIOD’, riffing on the American vernacular for the full stop – a title that links the gendering of objects and mediums, and language with the idea of cycles of time, the body, and specific historicals.

The full stops in this book have featured in works by Fiona Banner aka The Vanity Press. They are each typeset in 1900 pt and positioned on the page according to the natural baseline of each font. The paintings are reproduced at 50% actual size. They are found paintings of ships at sea, that have been over-painted by Banner.

Le livre d’artiste Anémochorie se construit depuis deux ans en même temps qu’une recherche autour de la circulation du végétal, donnant lieu à l’exposition éponyme qui se déroule en avril 2021 au Confort Mental. Une centaine d’images a été glanée selon leur capacité à s’interconnecter, puis déployée selon une carte mentale mise en page par officeabc et Sarah Vadé. Par leur motifs et leur significations, les images s’agencent pour construire une narration suggestive. Il est alors question de saisir ce qui dans l’image fait sens, et comment le motif de chacune peuvent apparaitre à la base d’un système de communication rendu à sa plus simple structure. Par la mise en contact d’une image à l’autre vient se produire des zones de frictions et des significations nouvelles. Les sujets abordés tournent autour de la botanique, mais naviguent plus largement autour des explorations coloniales, de la Plantacionocène (cf. Donna Haraway), de la standardisation ou de la bio-mimétique. Il s’agit d’un voyage à travers notre manière d’habiter le monde, grâce au prisme du végétal. L’ouvrage se déploie ainsi sur 40 pages dans un format tabloïde (29×38 cm).
Sur les 500 exemplaires imprimés, 370 sont reliés et numérotés avec, en couverture, un texte de Fiona Vilmer. 130 exemplaires non reliés serviront à construire un herbier de 1300 planches pour le second volet du projet Anémochorie. Celui-ci se déroule en Martinique et le livre d’artiste basculera alors dans le champs de la sculpture, grâce à cet herbier composé de végétaux collectés sur l’ancien Jardin Colonial des Plantes de Saint Pierre, détruit en 1902 par une éruption volcanique et aujourd’hui recouvert d’une dense forêt. Le livre deviendra alors le cocon du végétal, en créant de nouvelles relations images/végétaux.
Antonin Detemple

The narrative is not completely linear. Or perhaps it can be? Ryan Gander’s Leporello N° 04 presents excerpts of his digital word compositions displayed as part of the 2020 work Staccato Refractions. Presented as concrete poetry, the prose reveals intentional glitches, making the reader question the nature of the narrator. Man or machine? Is the text, or parts of it, a message transmitted by a computer, or perhaps an example of distributed thinking?

The text is rendered in minuscule typography, transforming it to shape and form. For its transcription, the use of an included magnifying sheet is necessary. In the background, a pale sequence detailing the moon’s movement is rendered. Once lights are dimmed, the moons start to glow, moving from subordinate to superior.

Ryan Gander’s Leporello N° 04 is printed in both offset lithography and silk screened with glow in the dark ink.
Each copy includes an acrylic magnifying lens.

Fiona Banner aka The Vanity Press does not waste words in BAD REVIEW. Both deadpan and playful, Banner’s Leporello N° 03 uses images from her work Portrait of an Alphabet, 2009; a series of images made in a photo booth, reconfigured to read Bad Review.

The sudden flash disrupts the notion of privacy behind the curtain in the narrow booth, only just large enough to fit a small chair. The artist is shielded by the large scale typographic print-outs she holds up. Only slight details; a glitch here and parts of a hand there, reveals the process behind the work.

For Banner, often incorporating language and text in her work, the work can be seen as a form of self-portrait. A portrait of the artist as a typeface.

A number of years ago Micah Lexier purchased a small paperback publication about the game of dominoes. The very end of the book consisted of a series of pages that reproduced a complete set of twenty-eight domino tiles. The images were printed on right-hand pages, four to a page, while the left-hand pages were blank. The idea was that you were supposed to cut these images out of the book and glue them to empty matchboxes to create your own do-it-yourself set. That sequence of pages, combined with the quality of their reproductions, was the inspiration for Lexier’s leporello. To that, he added two favourite print techniques – perforations and die-cut holes – to create a set of ten domino tiles. Lexier chose the denomination of each tile and its order in the leporello so that none of the thirty-four die-cut holes line up with each other, allowing each hole to be misread as a printed white domino dot.

For the first volume in The Leporello Series, Vienna based artist Heimo Zobernig makes optimal use of the accordion format, allowing rhythmic wording and typography to seamlessly transcend from individual words and phrases to shapes and structure. Repetition plays an integral role as the borders between the conjoined pages blur.

For The Leporello Series, ll’Editions has invited a select group of international artists to contribute. Each artist is given carte blanche, restricted only by the accordion format and its ten panels (recto).

Livre reprenant tous les jets de dés qui ont été nécessaires à l’auteur pour la réalisation de toutes les combinaisons  possibles avec 3 dés (56  combinaisons différentes).

Book containing all the dice rolls that were necessary for the author to achieve all the possible combinations with 3 dice (56 different combinations).

FR
Le travail photographique d’Aglaia Konrad explore les paramètres sociaux, culturels, économiques, politiques et historiques qui influencent l’architecture et l’urbanisme. ‘Japan Works’ est le résultat de son voyage au Japon à l’automne 2019. En utilisant une liste pré-compilée de lieux à l’architecture exceptionnelle, Konrad a pris des milliers de photos à Tokyo, Itoigawa, Kyoto, Nagoya et Osaka. En plus de l’architecture métaboliste la plus emblématique de l’après-guerre, Konrad a également pris un grand nombre de photos de moments architecturaux et d’infrastructures non spécifiques qui, avec la même intensité, donnent leur propre impression du paysage architectural au Japon. Des associations libres de photographies pleine page alternent avec des planches contact documentant son itinéraire. Celles-ci sont éclairées par des gloses de l’architecte et critique Julian Worrall.

EN
Aglaia Konrad’s photographic work probes the social, cultural, economic, political, and historical parameters that inform architecture and urbanism. ‘Japan Works’ is the result of her journey through Japan in the autumn of 2019. Using a pre-compiled list of places with exceptional architecture, Konrad took thousands of photos in Tokyo, Itoigawa, Kyoto, Nagoya and Osaka. In addition to mostly iconic, post-war Metabolist architecture, Konrad also took a large number of photos of nonspecific architectural moments and infrastructure that, with the same intensity, give their own impression of the architectural landscape in Japan. Free associations of full-page photographs alternate with contact sheets documenting her itinerary. These are informed by postscript glosses written by architect and critic Julian Worrall.

Batia Suter’s work intuitively situates found images in new contexts to provoke surprising reactions and significative possibilities. ‘Parallel Encyclopedia’ contains a precise composition of images from other books. Underlying themes of the Amsterdam-based, Swiss artist’s practice are the “iconification” and “immunogenicity” of old images, and the circumstances by which they become charged with new associative values. This is a reprint of Suter’s voluminous book, originally published in 2007.

Le célèbre hommage de Takashi Homma met en perspective une séquence gracieuse et intime d’images représentant la jeune fille – qui n’est en réalité pas sa propre fille mais celle d’un ami – et la ville de Tokyo. La jeune fille, capturée à différents moments de son développement dans des lieux de tous les jours, regarde sereinement au-delà de l’objectif, sans se soucier de rien et semblant généralement plus intéressée par la personne qui tient l’appareil que par l’appareil lui-même : sur une photo, elle regarde curieusement depuis la banquette arrière d’une voiture ; sur une autre, elle pointe son propre petit appareil rose vers le photographe.
L’énergie particulière généralement attribuée aux photographies de Takashi Homma, qui émane d’un certain détachement vis-à-vis des objets et des personnes qui se trouvent devant son appareil, ne contredit pas ici une approche très personnelle, Takashi Homma dressant le portrait d’une jeune fille impassible et résistant à toute séduction avec la même tendresse, chaleur et sincérité que celle avec laquelle il documente le paysage urbain de Tokyo.

What happens when we discover objects that are no longer in a familiar context? Do new worlds open up? In his works—whether sculptures, objects, films, or sound installations—Vittorio Santoro explores these kinds of constellations, which he describes as “sculptural situations.” His repertoire of media also includes the written word and language. Each work begins with an idea, a “phenomenon in the world” that occupies his mind. This is the first extensive monograph of the artist’s work, and it accompanies the eponymous exhibition at the Kunstmuseum Lucerne. Besides new works and photographs of installations he has had in various galleries and museums in the past fifteen years, this book also contains new essays on Santoro’s video installations and public art interventions, as well as on the material qualities and architectural approach of his art.

Catalogue « bio-monographique » éclairant la démarche de l’artiste, sculptrice et céramiste Valentine Schlegel, dont la pratique, intimement liée à son quotidien, répond à une logique certaine : celle de créer ses propres conditions de vie. Réalisé par l’artiste Hélène Bertin suite à une recherche sur Valentine Schlegel, édité par Hélène Bertin et Charles Mazé & Coline Sunier.

Un ensemble de sept sérigraphies reproduisant les détails de sculptures d’Antunes inspirées des travaux d’Anni Albers et de Lina Bo Bardri. L’impression sur supports variés (Rhodoïd transparent, papiers calque de différents grammages) autorise un jeu de transparences raffiné contribuant à faire de cette édition d’artiste un objet précieux et singulier.

(Manuscrit & Manuel pour un livre)
Les notes retranscrites dans ce manuel visaient la réalisation d’un livre, imaginé pendant l’hiver 2003–2004, tandis que Pierre Leguillon était résident à la Villa Médicis, l’Académie de France à Rome. Pendant quelques semaines, il est resté cloîtré chez lui, vivant de manière totalement décalée, dans l’espoir de trouver la forme que prendrait son livre.
Ce livre tentait d’adapter à l’espace de la page une projection de diapositives sonorisée, un format que l’artiste utilisait exclusivement depuis une dizaine d’années. Les formules, au ton péremptoire et au caractère définitif, étaient presque toujours rédigées au feutre et en capitales, très tard dans la nuit ou au réveil, tardif.
Ce livre n’a toujours pas vu le jour, mais égalera-t-il jamais l’entité que forment ces idées contradictoires ? Car ce fatras, remanié dans ces pages pour pouvoir être partagé, dessine en creux une forme idéale, convoitée par beaucoup d’autres avant lui.
‍Après donc dix-sept ans de maturation, Surfaces Utiles et Cultura, imprimeur à Wetteren en Belgique, ont combiné leurs savoir-faire pour faire exister ce «non-livre». On frôle l’héroïsme.

Stemming from his passion for Japanese calligraphy and graphic design, antoine lefebvre editions started this photo series during a residency at the Palais des paris, Japan in 2016.
The kanji 本, pronounced \hon\, means book when it is alone, but it can mean numerous other things when associated with other signs. It is for example the second ideogram in 日本, Japan in Japanese. During his stay in Japan, he would scan his surrounding everywhere he would go looking for the kanji 本 that he would usually find outside bookshops on big colorful signs that can be spotted from far away.
He became obsessed with this sign that he would track down looking for bookshops. He started taking a picture each time he would find one, always in the same fashion, in a very frontal close framing, the sign being out of focus when it was too small to get a clear shot.

A nocturnal secret ritual performed by two naked men in a hotel room in Rotterdam; a woven tent where the artist dressed as a mage encounters visitors to share their traumas; buttplugs adorned with rooster feathers; a collection of queer zines; anal-sprayed tartan paintings; a zen garden of mugwort. A few of the singular artistic gestures AA Bronson committed in the last few years are united in this book. After his General Idea partners, Felix Partz and Jorge Zontal, passed away in 1994, AA Bronson had to learn how to keep on living by himself, inventing a personal identity without his former companions, creating a new community of work, friendship and love. These issues have been at the core of his art in the last 25 years. He has developed a work where collaboration with other artists, especially younger queer artists, and creation of a social bond are central. AA Bronson’s House of Shame aims to emphasize this social dimension in his work through an overview of a series of exhibitions he made between 2013 and 2018. These are shows that bring together a community of artists; shows where performances and rituals, often invisible, contribute to the creation of a shared experience; a unique blend of art, friendship, collaboration, spirituality and humour. The book is in two-parts. An initial monographic section, which includes an essay and an interview with the artist, brings together the works and the exhibitions. In the second, choral part, friends have been invited to bear witness and write a sort of ‘journal de bord,’ telling the tale of five years of the artist’s community life.

With a foreword by the editor Vincent Simon, a text by Paul Clinton, and an interview by Frédéric Bonnet, and contributions from Philip Aarons, Defne Ayas, Elijah Burger, Matthias Herrmann, Richard John Jones, Bradford Kessler, Terence Koh, Sholem Krishtalka, Mark Jan Krayenhoff van de Leur, Gareth Long, Chrysanne Stathacos, Scott Treleaven, and Louwrien Wijers. Edition Patrick Frey N°331.

Un ouvrage monumental compilant la documentation iconographique ayant servi au développement des projets visuels de Christian Marclay au cours des dernières années. Près de 600 photocopies noir et blanc de collages d’images trouvées, mises en page avec l’aide du graphiste Laurent Benner.

Campo di Marte a été conçu en mars 2020, à une époque où Nathalie Du Pasquier ne peignait pas. Après avoir découpé des photos de peintures réalisées entre les années 1980 et 2020, l’artiste les a ensuite placées dans une séquence comme s’il s’agissait d’une série de polices de caractères, en se concentrant uniquement sur leurs qualités formelles et sur la possibilité d’interprétation offerte par leur assemblage. Il en ressort un jeu de féerie, un surréalisme quotidien où les images constituent des sortes de phrases, entremêlées de divers éléments tirés du monde du livre : titres, poèmes ou simples calculs, époque où l’artiste était perdu pour les mots.
Campo di Marte est également le titre d’une exposition organisée par Luca Lo Pinto au MACRO à Rome à la fin de l’année 2020. Comme le dit Du Pasquier : « Le livre devait sortir en même temps que le vernissage de l’exposition. Ce ne sera pas le cas, mais cela n’a pas d’importance car il s’agit en fait de deux choses distinctes. Ce livre de poche n’est pas du tout un catalogue : c’est quelque chose que l’on peut feuilleter même en restant assis dans le métro »

Un poème écrit par l’artiste pour l’espace du livre composé seulement de signes de ponctuations.

Tripple Dribble is a long term project by French artist Julia Borderie. It was initiated in collaboration with basketball players in Montreal (2015) and Val-de-Marne (2018, with Céline Bouffard) and explores the common space between basketball and the visual art discipline. Conceived as a guide, this edition proposes that the reader re-appropriate and re-invent the principles of an existing game, to determine new rules and new gestures for play. The book teaches its readers not only a new interpretation of basketball but an attitude that applies to many spheres of life. Even if one is not able to change the rules (of a game) on a large scale, one is able to change them in a small social unit. The French sociologist Michel de Certeau speaks in his famous book “The Practice of Everyday Life” [Arts de Faire] about so-called “spaces of actions” [espace d’action]. He describes how individuals can change social rules by creating their own spaces of actions within an existing system. Tripple Dribble is without doubt such a space of action, a vivid example that change is possible without changing the entire game but by adding new dimensions, values and also barriers into it.

Publication parue dans le cadre de la récente rétrospective de Francesc Ruiz au CA2M Madrid, curatée par Anna Colin

 » —- quitta Paris le 13. Après environ une semaine de voyage, il arriva à Rome. C’est là, un peu plus tard, qu’il disparut. »
Gabriel Mayer, personnage récurant de l’œuvre littéraire et plastique d’Adrien van Melle, se lance à sa recherche.

Forme hybride, à la frontière du roman et du catalogue d’exposition, Un Voyage a été écrit dans le cadre de l’exposition du même nom au Musée national Jean Jacques Henner.

In Lithium Erik van der Weijde once again turns the camera on his, now teenage, son. The photographs were taken between 2018 and 2019, their last year together in Brazil, the sons home country, and their first year after moving to Europe. Transitions and the gap between expectations and reality left their mark on this period.

Ce livre est une recherche sur la transcription verbale du son et un inventaire des premières produc-tions sonores de ma fille Alice. Les babillages de l’enfant sont des sortes de phrases sans mot, des « haïkus sonores » où les syllabes sont particulièrement indistinctes et complexes, à la frange de l’inaudible. Notre cerveau – cherchant toujours à simplifier le monde pour le rendre compréhensible – a tendance à interpréter et déformer les sons de l’enfant : un « bgligliab » va être transformé en « Bla » ou « Glia ». Cela m’a amené à faire des séances d’écoute en « boucles scrutées », un déchif-frage syllabe par syllabe pour tenter de saisir par l’écriture tous les détails sonores de ces sons pri-mitifs du langage. Les sons secondaires ou parasites sont notés en exposant grisé et les syllabes sont éclatées et placées sur la page en suivant intuitivement le rythme et l’intonation de la voix qui ne suit pas encore de construction grammaticale.
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Alice est publié à l’occasion de l’exposition « À voix haute », commissariat Ninon Duhamel,
à La Graineterie, Centre d’art de la Ville de Houilles.
aide à la recherche / production du CNAP Centre National des Arts Plastiques
et de La Graineterie, centre d’art de la Ville de Houilles

A collection of about 500 collages, repeatedly and arbitrarily re-arranged during the printing process, making each book its own unique work of art.

Réédition augmentée du livre d’artiste légendaire de Dorothy Iannone, mettant en lumière les dimensions mythiques, mystiques, sexuelles et politiques du travail pionnier de l’artiste américaine, en relation avec la censure massive dont il a été l’objet dans les années 1960.

Deux ans après Piss down my back and tell me it’s Raining (un ensemble de photographies intimistes), cette seconde publication de Linus Bill chez Nieves rassemble une série de dessins tout aussi personnelle, réalisée durant un séjour parisien de six mois en 2007. L’artiste a mis au point une technique singulière qu’il appelle « lumière sur papier photographique », consistant à marquer du papier photo noir et blanc à l’aide de lampes de poche modifiées. La reproduction sur papier glacé des œuvres en taille réelle laisse apparaître les accidents et les imprécisions de la réalisation, avec un effet saisissant.
Cet ouvrage a été primé dans le cadre du concours « Les plus beaux livres suisses » en 2007.
Linus Bill est né en 1982. Il travaille à Bienne, vit à Zurich et dort à Paris.

Edition fac-similé d’un livre d’artiste réalisé par Marcel Broodthaers en 1973, Je hais le mouvement qui déplace les lignes prend le septième vers du sonnet de Baudelaire La Beauté pour point de départ d’un jeu éditorial basé sur une stratégie d’occultation des éléments péritextuels.

Colorblind Sands is a project for a journey, a reflection upon photography and the great American road trip. It explores the semantics of color, the experience of time and place, and the possibilities for analog printing in the darkroom. Colorblind Sands is a fictitious road trip that Reuzé has yet to make. An imaginary journey through the history of American photography.

LJC Notations 1977-2007, volume 6 de la collection «Grise», est une vaste enquête sur l’art, menée pendant trente ans par un artiste pour lequel les archives constituent un matériau artistique à part entière. La méthode de travail de Lefevre Jean Claude peut être considérée comme une sorte d’observation participante, dans la mesure où, durant toute cette période, et jusqu’à aujourd’hui, il a pris une part active à la vie de l’art : correspondances et conversations avec ses amis artistes; participation à des projets communs; collecte de documents variés à l’occasion de visites dans les galeries et musées, de vernissages et autres manifestations du monde de l’art; écriture de textes exposés, publiés en livres et revues ou lus en public lors de «lectures expositions». Ce «travail de l’art au travail», ainsi que le nomme Lefevre Jean Claude, a abouti, en 1983, à la fondation de «LJC Archives», constituées de notations quotidiennes sur les pratiques artistiques observées, de la description et du classement des documents rassemblés, ainsi que de tout un travail de réécriture à partir de ce matériau, en réponse à des invitations ou à des commandes. Tel est le cas de ce texte, à la fois oeuvre et documentation, qui restitue et analyse, du point de vue de l’artiste engagé dans l’art de son temps, la réalité du fonctionnement de l’institution artistique et l’histoire de trois décennies d’art contemporain en France. C’est enfin une réflexion personnelle sans concession sur la création en acte et ses exigences, artistiques et philosophiques, que Lefevre Jean Claude propose ici.

Ce livre réunit vingt-trois entretiens avec vingt-cinq artistes qui font de l’édition une pratique artistique. Dans un contexte où les publications d’artistes suscitent l’intérêt de nombreux acteurs du champ de l’art, il s’agit d’offrir des perspectives contemporaines sur ce phénomène, marqué par une tension entre des positionnements alternatifs et la recherche d’une reconnaissance institutionnelle. Les propos des artistes sollicités ont ainsi été collectés afin de dessiner un panorama des publications d’artistes aujourd’hui, et pourront être lus au regard d’un double questionnement : quels sont, parmi les outils qui ont permis de penser la pratique du livre d’artiste ces dernières décennies, ceux qui restent opérants pour en comprendre les manifestations actuelles ? Quels sont les enjeux qui semblent spécifiques à ces manifestations récentes et quelle est la nature des évolutions dont ils témoignent, en lien avec un contexte élargi de l’art et de l’édition ?
Bien que les pratiques actuelles n’induisent pas une remise en cause radicale des hypothèses et des arguments proposés jusqu’à ce jour au sujet des publications d’artistes, ces entretiens suggèrent des enjeux formulés différemment, et donnant lieu à de nouvelles attitudes. Ce sont ces dernières dont ce livre rend compte, à travers un matériau de première main.

Entretiens avec Laurence Aëgerter, Pierre-Olivier Arnaud, Ludovic Burel, Claude Closky, Daniel Gustav Cramer, documentation céline duval, Ben Kinmont, Sharon Kivland, Stéphane Le Mercier, antoine lefebvre editions, Sara MacKillop, Mazaccio & Drowilal (Élise Mazac & Robert Drowilal), Jonathan Monk, Julien Nédélec &Éric Watier, Camila Oliveira Fairclough, Michalis Pichler, Hubert Renard, Joachim Schmid, Yann Sérandour, David Shrigley, Derek Sullivan, Batia Suter et Nick Thurston.

Catalogue de l’exposition des livres d’artistes de Claude Closky au CDLA, dans le cadre du 40e anniversaire du Centre Pompidou. L’ouvrage évoque, dans sa forme, le dispositif de l’exposition. La typographie utilise une police créée pour l’occasion par l’artiste français, la kalavryta, du nom d’une station de ski grecque.

Edition parue à l’occasion de l’exposition ‘I can’t believe it’s not you’ à la galerie Florence Loewy, du 28 mai au 18 juin 2016.
Chaque exemplaire du livre a une couverture unique faite à la main.

Ce nouvel opus de Sara MacKillop est une reprise du catalogue de la marque Ikea modifié et détourné.

À partir de documents d’archives, l’ouvrage rejoue la série des impulsions électriques qui ont déclenché, le 11 octobre 1994, les charges explosives du foudroyage intégral des 10 Tours Démocratie du quartier des Minguettes à Vénissieux.

Deuxième tome d’une trilogie inaugurée en 2008 par l’ouvrage « Some Belsunce Apartments », « Various Small Sparks » continue la relecture artificière que fait l’artiste des 3 premiers et célèbres ouvrages d’Ed. Ruscha.

Pour Anne-Valérie Gasc, faire œuvre relève d’une fulgurance – celle d’un événement durant lequel, à raison de quelques secondes, le réel nous échappe et l’ensemble de notre rapport au monde est mis en difficulté. Son travail suit cette quête utopique : Proposer et partager un instant de dessaisissement du réel. Ses pièces sont pensées comme des oxymores où, notamment, ce qui est rendu visible est, simultanément, livré comme insoutenable au regard. C’est dans cette contradiction fondamentale que se pose, pour elle, la question de l’avènement d’une œuvre d’art.

Le livre d’artiste, Various Small Sparks , a été publié avec le soutien du Conseil Général des Bouches-du-Rhône.

Livre d’artiste sous forme de « scrapbook » par le duo McDermott & McGough [David McDermott, Peter McGough] publié à l’occasion de leur exposition à la galerie Massimo Audiello et Pat Hearn Gallery, New York, 1986. Introduction d’ Edit deAk.

Susan Hiller compile un alphabet. Les images de ce livre The Artist Palette Alphabet peuvent être détachées et envoyées en cartes postales, le livre peut potentiellement exister avec sa seule couverture, vidé de son contenu.

This artist’s book houses seven CDs that were the audio accompaniment to German conceptual artist Lothar Baumgarten’s 2009 exhibition at the Kunsthaus Bregenz in Austria. Each disc contains an hour of audio recorded on a remote peninsula in the Hudson River, the shrieking and croaking of native fauna broken by the occasional Amtrak train. The book opens with photographs and an essay by the artist.