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Auto-publié à l’occasion de son exposition Soul Controller à la Snow Gallery, New York.
Édition limitée à 100 exemplaire dont 20 s’accompagnent d’une sérigraphie unique (25€).

Lago di Braies, Dolomites, Italy, August 2011
The Tales series has accompanied Cramer for over 25 years, unfolding narratives through minimal means with just a few pages and photographs. Through the repetition of similar images, subtle changes gradually surface, allowing understated narratives to resonate. It is moments of suspension, captured just before something happens, leaving both the photographed subjects and the viewers suspended in a quiet tension.
“Every photograph I take is taken with the hope that a possible narrative will unfold. Later, in the studio, I can see whether a sequence can actually be found that will yield a small story from the various pictures – or from one individual photograph. It is through repetition of a similar image that these narratives begin to emerge. Often almost invisible changes can generate the most intense moments.”

« Cadavre ASCII is the result of a collaborative drawing experiment combining ASCII (a text-based design and drawing technique from 1963) with ‘cadavre exquis’ (EN: exquisite corpse).Cadavre Exquis is a surrealist game where multiple participants create a drawing together without seeing the full composition. Each person contributes a section based on the visible edge of the previous part. For this series of drawings, we focused on drawing characters divided in four parts: head, upper body, lower body and feet.The 20 characters in this book were created in two afternoons by the ASCII office (Nathaniël Ortiz, Linus Bonduelle, Ran De Vos, Emese Veszely and Maya Strobbe). Cover design by Nathaniël Ortiz. »

Only Those Who Know the Longing fait état de liens inattendus entre les saucisses, le désir et la guerre en Allemagne. Le livre présente une archive de cartes postales du front, ainsi que des textes d’Ido Nahari et de Mélanie Scheiner. Julia Schäfer (1991, Allemagne) est une artiste pluridisciplinaire basée à Paris. Dans ses oeuvres vidéo et ses installations, elle explore la construction de la mémoire collective. Ses projets récents portent sur les traditions du deuil à travers le prisme historique de la production de viande dans l’Allemagne d’après-guerre.

Ouvrir la fabrique de l’art imprimé de Gérard Collin-Thiébaut à un large public : telle a été la motivation pour l’écriture du présent essai monographique. Depuis le début des années 1980, l’artiste déploie en effet une vaste pratique à partir d’images accessibles, qui s’inscrit dans l’histoire du phénomène de l’édition d’artiste contemporaine : une production n’ayant, à ce jour, fait l’objet d’aucune véritable enquête, pourtant nécessaire compte tenu de son ampleur et des enjeux qu’elle soulève au sein de l’art contemporain. À cet égard, en retenant comme cadre les diverses formes d’investigation éditoriales de Gérard collin-thiébaut, l’ouvrage convie à interroger la manière dont l’artiste combine une certaine visée démocratique de l’art avec les exigences du milieu artistique, contribuant ainsi au façonnement d’une période historique de l’édition d’artiste.

For his solo show at Florence Loewy in 2025, José Quintanar presents Dutch Landscape 21, 22 & 23, different exercises of decomposition and recomposition of the same drawing, the representation of a landscape. Dutch Landscape 21 is an inventory of 41 wooden forms taken from the original drawing, conceived to spread out in the gallery space. In Dutch Landscape 22, the artist used them as tools to compose new landscapes. Dutch Landscape 23 is a publication listing all these 41 tools, reproduced to scale 1.

Daniel Gustav Cramer and Haris Epaminonda

Alejandro Cesarco’s “Album” (Leporello N° 11) presents the titles and durations of each of the songs that make up The Cure’s “Disintegration”, the band’s iconic album from 1989. Each song is listed on its own panel, as if they were images in a photo album.

Admittedly, The Cure plays heavily in the soundtrack of Cesarco’s youth. These gloomy soundscapes further the artist’s investigation into questions of aging–both in relation to style, regrets, and possibilities. Curiously, Robert Smith, the band’s frontman, wrote “Disintegration” as he was about to turn thirty, supposedly fearing his best years were behind him.

The release of Cesarco’s “Album” coincides unexpectedly with “Songs of a Lost World”, The Cure’s latest, and fourteenth, studio album.

« In ‘The Size of My Richard Prince Book Collection’, Jonathan Monk presents his extensive collection of books by the American artist Richard Prince – 170 titles in total. Each book is represented only by its measurements, leaving the viewer to try to figure which title is represented on each page. The numbers are all added up and the full size of Monk’s collection of Prince books is given at the end of the book. »

« For more than 35 years, Jochen Lempert’s photographs have stood out as a singular oeuvre within contemporary art. The trained biologist’s gaze is marked by constant wonder. At first, and not without irony, at the history and forms (and warps) of our cultural fascination for the inexhaustible potential of plants and animals. He is increasingly interested in the phenomena of perception and how they are translated into images, in the life forms of flora and fauna and their analogies to his own creative process. For all their photographic minimalism – always captured with the simplest means of an analogue camera or light-sensitive paper – Jochen Lempert’s pictures are full of poetic power and a profound knowledge of the Natural Sources of our existence. Along with the puristic and reduced hanging of his works in exhibitions, artist’s books are one of his favourite ways of presenting his work. Following the publication of « Phenotype » in 2013 by Verlag der Buchhandlung Walther König, « Natural Sources » is Jochen Lempert’s second major artist’s book. » Florian Ebner

Things I Looked at on eBay Today is a publication about strange and unusual objects found for sale on eBay during lockdown (between March and June 2020). This bewildering artist book is a collaboration between photographer Annie Collinge and art director Claire Huss. It showcases a selection of 56 screenshots carefully chosen by Huss amongst the collection of objects that drew Collinge’s attention. The format of the publication and the yellow spiral binding at the top are a nod to the mobile phone, and the way we scroll through images.

“Flashing Lane documents the stretch of road in Appleby where every year, Irish travellers race and show their horses during the Horse Fair. This historical event, that takes place in June since 1685, is one of Europe’s biggest and crucial gathering points for the Romani and Traveller communities from all over Europe, the UK. For the photographers Kira Bunse and Eleonora Gustapane, the series becomes a terrain of identity-based anthropological exploration, a way to investigate the culture, the coming of age and the value system within a traditionally nomadic society. Focusing on their individual dress code, distinctive hairstyles and peculiar physiognomy, the visual dialogue is punctuated by assonances and dissonances, creating a continuous interplay between the human, the animal and the folklore.”

Sujet peu répandu dans le paysage éditorial, Collectionner les tombes présente une précieuse archive photographique sur l’art funéraire du XIXème siècle à nos jours. L’ouvrage puise dans le fonds d’images de cimetières de l’artiste et collectionneur André Chabot. Depuis une cinquantaine d’années, ce dernier dresse un inventaire méticuleux de tombes, sculptures, chapelles sépulcrales et autres catacombes, photographiées dans plus de soixante-dix pays.
Sur le postulat du photographe, « l’art funéraire, c’est du passé », et à l’heure où cette forme esthétique est en voie de disparition, les éditions Païen invitent à arpenter ce livre comme on déambulerait dans les allées d’un cimetière afin d’en recueillir les derniers témoignages.
Collectionner les tombes est une invitation à la découverte d’une «vaste nécropole mondiale où l’on pourra s’attarder devant les tombes les plus humbles et les plus émouvantes comme devant les mausolées les plus grandioses et les plus spectaculaires».

Sous Arles gît une immense nécropole antique dont l’actuel monument « Les Alyscamps » se propose d’être la façade.
L’édition Duplex Arelas s’extrait volontairement de toutes images des Alyscamps pour explorer les zones en marge de cette vitrine antique.
À la manière d’un tombeau qu’on exhume, d’un casier d’archives qu’on ouvre et referme, la surface vide des pages dissimulent dans leur plis une longue frise d’images. Elles présentent des réminiscences de la nécropole dans leur contexte contemporain, cherchant des occurrences où la ville des morts affleure à la surface des vivants.26 x 15 cm

The Book is part of a public art project in a school. Gathering 696 digital collages using the children’s drawings as source material. 9 works are translated into ceramic wall pieces that are mounted in the hallways .

Turbo Magazine #56

Since 2017 we photograph the transformation of cities. »These specify some of the unique features of these cities as well as comparable structural elements that they share, which act, for the most part, as catalysts for revolutionary urbanistic developments.«

Observing and documenting the transformations of the landscape, the process of the construction-sites the project deals with the following questions: Can major events like the Olympic Games be accelerators of such urban changes, how much do they contribute to further changing the understanding of private and public space? Do ideas of coming together, exchange, sporting competition still play a central role or are the stadiums, arenas and pavilions just some more ruins of the future?

On 8 December 2018, in residence in Paris, Katja Stuke and Oliver Sieber were confronted with one of the first ‘acts’ of the gilets jaunes movement. From a distance, without taking sides, but without remaining indifferent, they observed how this conflict became part of the city‘s narrative. This walk, of 113 photographs, guides them from the rue de Rivoli to the Louvre, from the Madeleine to the Gare Saint-Lazare, from the Boulevard Haussmann to the Place de la République, and depicts nothing less, nothing more than six hours of protest – one act – of a social drama.

Book with 192 stills of a 3.2 seconds film clip of Haku Shimasaki performing a Cab Double 1080˚. In October 2022 Ari Marcopoulos went to Saas-Fee in Switzerland to work on his short film Butter. The film was shot on the glacier where a halfpipe was made for professional snowboarders to kick off their competitive season. After finishing the film Ari asked a group of snowboarders to send him their favourite clips of tricks which resulted in another film: Black Snow. He had desaturated and inverted the clips so the stills looked like black-and-white negatives, connecting the relatively new technique of multi-channel video to the beginnings of photography. In this process the clip by Haku Shimasaki stood out and has been made into this publication.  With text by Canon Georges LeMaire, Lucy Raven, and Ari Marcopoulos. Design: Roger Willems. Edition of 300 copies in a box with a risograph, signed and numbered by Ari Marcopoulos.

In the south of Iceland is Landbrot, whose geologic particulars present a unique landscape. It is a place closer to fairy tales than to science, indeed a place easy to imagine as the singular source of fairies and elves worldwide. It is easy, too, to imagine the sensual comfort and satisfaction to be found there. Mother, Wonder is the eleventh book in Horn’s ongoing series “To Place,” which she initiated in 1989 and exists only in book form. All the volumes focus on Iceland and the evolving experiences of the artist there; together they form a flowing dialogue addressing the relationship between identity and place. The titles to date in the coveted “To Place” encyclopedia are Bluff Life (1990), Folds (1991), Lava (1992), Pooling Waters (1994), Verne’s Journey (1995), Haraldsdóttir (1996), Arctic Circles (1998), Becoming a Landscape (2001), Doubt Box (2006) and Haraldsdóttir, Part Two (2011).

The inte­ri­or of Koba De Meut­ter’s home con­sists of sculp­tu­res. Sur­roun­ded by this gro­wing col­lec­ti­on of particular fur­ni­tu­re, Koba has spent the last few years dra­wing fic­ti­o­nal people. These peo­p­le now inhabit a book, publis­hed by INFINITIF.

Flanders, the early 1990s. The number of fatal victims of road traffic accidents connected to nightlife is at its peak. Emergency physician Dr. Beaucourt prepares a slideshow and tours secondary schools on a mission. He seeks to highlight the risks and shows harrowing, brutal images of victims. These images become part of the collective memory of a generation. This publication revisits that presentation. The only original elements here are the photos, which are depicted in slide format. The order of each image is determined by the chronology of events connected to a crash. The numerical code under each image refers to the location where it was found in the original archive.

In banana boxes, Maxime Le Bon collects and stores a lot of documents in a jumble. Most of them are printed, cut out from newspapers, magazines, old publications, erratas, other fragments of texts and photographs. Added to this are drawings that he improvises – some of them torn or stained that he don’t want to display or throw away. This collection of heterogeneous items is then being rearranged and slipped into plastic pockets where he stores them. Unstable and in constant change, this improbable archive grows with the years. It sedimented layers of experiences and constitutes this heterogeneous deposit from which can emerge all sorts of fragmentary narratives and accidental arrangements. The publication ZILCH brings together a selection of A4 photocopies made by the artist from this extensive archive.

« Good Luck » is the second book of a trilogy that started with « Good Morning », published in 2021.

As written in the subtitles; some drawings, and a story. Common things. Drawings as memories and memories as flashes adhered to images. Things that happen, with neither significance nor lasting as long as it takes a ship to cross a bridge or a cloud to block the sun’s rays.

The exhibition Calendar 2025 is a homage to the exhibition March 1969 by Seth Siegelaub. Participating artists were invited to present any relevant work regarding the “Time” and their assigned month. Through this project, einBuch.haus aims to connect contemporary artists who use the “book” as their main artistic practice.

This book includes 100 photographs of the 100 rulers made on the occasion of Jonathan Monk’s exhibition SL at the Torre Bonomo in Spoleto. The quicker you flick through it, the faster it moves.

This is the first printed issue of Slant, featuring all the contributions.
Slant is a mail art project and a publishing house. It invites artists, designers, writers and poets to express themselves through a common theme every two weeks. It has poetry as its beacon of reflection, keeping in mind that sometimes we must tell the truth slant in order to see our reality depicted.

Dans ce petit ouvrage, des objets normalement inanimés prennent vie sous le pinceau d’Amelie von Wulffen, se déplaçant dans un univers étrange et surréaliste comme s’il s’agissait de personnes réelles : une série d’aquarelles sombrement drôles qui mettent en lumière nos propres réalités banales.

À travers des centaines d’images, ce livre d’artiste suit le travail de Daniel Steegmann Mangrané dans l’ordre chronologique, depuis ses premières sculptures en 1997 jusqu’à ses installations les plus récentes de 2022 dans le cahier central, avant de reprendre le voyage en sens inverse, pour revenir en 1997 dans les dernières pages, créant ainsi un cycle que l’on peut recommencer. À l’intérieur du livre, des fac-similés de ses annotations et de ses croquis offrent une introduction unique à l’univers de l’artiste.

« This book is a new look at photographs from the time Marcopoulos shot Brown Bag, a short super-8 film of skateboarders in New York in 1993. The film, photographs from that time, plus a small selection of recent work, appear in this book, and as a large collage in the exhibition BEWARE at the Musée Art Moderne de Paris (April 5–August 25 2024). » From the publisher’s website

« During the installation of his show ‘Hard Copies’ at Camera Austria in Graz, Stephan Keppel made walks in the city, collecting structures, surfaces and traces of the past. In the book ‘Immer Zimmer’ these works are reworked and replaced, creating a new view on the historic city of Graz. The book includes an excerpt from the poem ‘Kracht voor Graz’ (1976) by K. Schippers » From the publisher’s website

« In ‘Flat Finish’ Stephan Keppel explores and investigates the known, and unknown, structures and surfaces of New York City. By assembling a subjective databank of images and reproductions of city walls, architectural references and urban structures, Keppel strips the city from its clichéd myth, and gives a new perspective on the Metropolis. This publication is part of Keppel’s ongoing research on the public space, urban structures and reproduction, and is combining his own photographs with re-photographed archival material and other (online and offline) found footage. Printed in special high pigmented inks, mostly black and white, but also fluorescent colors and metallic inks, this book is also questioning its own (re-)production. By doing so it becomes part of Keppel’s endless loop of recycled images, works and installations. » From the publisher’s website

« This book works as an adaptation for Christian Marclay’s Telephones (1995), precursor to his following video collages, such as Video Quartet (2002), Crossfire (2007), The Clock (2010), 48 War Movies (2019), Subtitled (2019) and Doors (2022). Scenes were sampled from movies rented at video stores in VHS format and edited into a seven-minute-long montage. The structure of the video was simple; the cut-up scenes follow the course of a phone conversation from beginning to end. Something that revealed a clash of technologies, behavioural patterns, sound effects and cultural references associated with audio and visual communication, expressed through various dramatic genres that characterise our collective memory of cinema.
Oddly enough, almost thirty years later, its relevance seems to have grown rather than diminished, largely because it emerged at the very moment that cell phones made their initial appearance into popular consumerist culture and digital technology was overtaking analogue film. This publication is an attempt to see how such a moving image work could be translated into a book format. The fragmentary and chance quality, which is at the heart of any collage process, is exemplified here by allowing the reader to mix and match images. ‘Telephones’ is part of the ongoing LiberArs series and brings together stills of the visual track, a transcription of the soundtrack and a conversation between Christian Marclay and Yuval Etgar during the 2020 lockdown—befittingly, over the phone. »
Text taken from the publisher’s website

« C’est rien, c’est la rue » est le premier et unique numéro de Zzz Magazzzine, une revue réalisée par un groupe d’étudiant·es dans le cadre d’une ligne de recherche de l’École nationale supérieure d’arts de Paris-Cergy – ENSAPC. Il réunit des contributions provenant de pratiques et de disciplines diverses pour proposer une vision kaléidoscopique de la rue. Elle apparait tour à tour comme un symbole ou un dispositif, un lieu où s’inventent des musiques ou des formes de contestations, un espace d’interactions sociales, amicales, ou sexuelles et se présente continuellement comme traversée de rapports de dominations.

Comité éditorial : Chloé André, Adèle Ballif, Kenza Belghiti Alaoui, Dana Cavigny, Emma Fleury-Cancouët, Nathalie Chollet, Mariama Conteh, Dona Eva Goroshevsky, Amine Habki, Selma Hyka et Audrey Teko
Coordination éditoriale : François Aubart

Cette édition est composée de deux livrets réunis dans une jaquette embossée : le premier, monographique, se lit de gauche à droite, et le second, dédié à l’exposition
personnelle éponyme de l’artiste, se lit de gauche à droite. Le livret monographique s’architecture autour d’un sommaire gradué (1, 1,5, 0,5, 0, 1) avec une numérotation des oeuvres reprise en négatif dans le livret de l’exposition. Ce travail en positif et négatif prolonge dans la mise en page et dans le maniement, les questionnements propres au travail plastique de l’artiste comme le double, la répétition, l’aller-retour, les seuils de perception et registres de visible, le pli et le repli.

Catalogue inventaire d’un musée par lui-même

Livre d’artiste, catalogue d’un musée sans murs, récit d’une œuvre en construction en réponse à une commande dans un ancien bassin minier, Joëlle Tuerlinckx nous guide dans l’archive de l’atelier, ouvre au développement d’une pensée pour aboutir à l’inventaire de la collection du M.M. (Musée de la Mémoire). Jouant du grand classique et englobant ‘tout l’œuvre J.T.’, elle met en scène « un musée par lui-même ».
Si à l’origine cet ouvrage est lié à ‘La Triangulaire de Cransac’, une œuvre monumentale implantée dans la petite cité aveyronnaise, il met aussi en perspective l’évolution du musée dans son lien avec l’artiste et le livre. Joëlle Tuerlinckx rappelle que si le musée est comparé à un livre en raison de son ordonnancement intérieur, inversement un livre est comparé à un musée du fait de sa systématique et de sa méthode de contemplation de l’objet.
Deux versions de couvertures ont été conçues apportant une variante pour l’introduction et le colophon traduits en anglais.

This publication freely inspired by the collection « autobiography” of Tonini Editore is composed of 30 anagrams formed from my name and my first name in order to question the invisibility of women artists and curatorial choices.

« Ces photographies ont été réalisées entre 2018 et 2022.
Au creux des pages, mes ami·es, tels les cairns sur les sentiers,
balisent une série de paysages et objets naturels.
Iels sont les témoins d’une persistante recherche de refuge hors de la ville.
On trouve une caisse et on part. »

Texte de Constance Burger-Leenhardt

Le comic Ciudad del Transporte  prend la forme d’un manuel de conduite pour une auto-école. Au sein de la communauté dissidente qui compose cette cité des transports, les auto-écoles sont les points de contact, les premiers liens, avec tous ceux qui souhaitent faire partie de cette communauté.

Ventoline est un fanzine de musique écrit et illustré par des femmes. Avec Mara Krastina, Sofie Vandevoorde, La Crue, Sarah Vadé & Catherine Guiral, Félicité Landrivon, Sonia Terhzaz, Fanny Quément, Morgane Le Ferec, Cassidy McGuinley, Dagmar A. Binge / Cattle Records, Victoria Palacios, Anouk Ricard.

Ventoline est un fanzine de musique écrit et illustré par des femmes. Ont contribué à ce quatrième numéro Līva Kandevica, Cynthia Vaites, Fiona Brunet, Leïla Bergougnoux & Amélie Fontaine, Liliane Chansard, Péroline Barbet, Félicité Landrivon, Tessa Namias, Charlène Darling, Nina Chevallier, l’Amicale du Freesquet, Mona Granjon.

Set de 4 publications présentant des collections d’images, entretenant un rapport à l’objet et à la mode, à la conception des objets et des formes, rassemblées avec finesse et légèreté.
Les publications sont aussi disponibles indépendamment.

« Eloïse Labarbe-Lafon’s work is an array of memories, tales, and dreams captured on black and white film and colored by hand. The paint applied with a brush, as well as with fingers, reveals imperfections, smudges, fingerprints. The mixing of mediums produces a disturbance and provokes the passage from the multiple image to a unique work.
The reality captured by the lens becomes fiction through colorization with dreamlike tones. The bodies stroll in spaces of solitude and silence.
Album, the first book of the artist is built like a photo album, the photographs are mixed, their association creates memories, and brings us in a nostalgic and melancholic world. The book gathers more than 80 photographs taken over the years in France, Greece, Japan and Mexico. » text from the publisher

À l’occasion de son exposition chez Florence Loewy, José Quintanar présente pour la première fois Dutch Landscape 17, son plus récent projet, parmi une série de livres de cette série. Dutch Landscape 17 est un livre qui ne consomme pas de papier, mais parasite les livres existants. Un « Dutch Landscape » et un dessin de ce paysage. Un paysage de 78 lignes, disposé et placé à l’intérieur d’un livre de 12 pages, chacune contenant 1 à 12 lignes. Un livre comme paysage dessiné à la main à l’intérieur d’un autre livre. Un paysage dans un paysage. 78 livres trouvés sur les marchés aux puces de Rotterdam, Amsterdam et La Haye tout au long de l’année 2023. Livres de cuisine, livres pour enfants, livres d’architecture, livres d’art, livres d’archéologie, manuels, littérature, atlas ou catalogues commerciaux. Une bibliothèque de livres qui n’ont jamais été réunis auparavant et qui définissent d’une certaine manière le paysage culturel et social d’un territoire.

From 1 to 16 is not a collection of drawings in a book, but the result of a development. A series of drawings ranging from the number 1 to the number 16. A drawing created with a single line, two drawings with two lines, three drawings with three lines…and so on, up to sixteen drawings with sixteen lines. A series that forms a total of 136 drawings, made in the city of Rotterdam, throughout 2022.

« If I had to define Rotterdam with two images, on the one hand, I would say a flower in a window, and on the other, a ship stranded in the port.
For many afternoons, and before going to sleep, my son would sit with me on the drawing table and ask me to draw one boat after another. He was so obsessed with that activity that we built more than two hundred boats. All the same size and drawn with the same pencil. In this book, Hugo, the publisher, and I have tried to make a selection of the most significant, one hundred and some. » José Quintanar

« Un Paisaje Holandés » is the exercise of synthesizing a traditional and historic art subject in Netherland to a simple drawing game using very rudimentary rules and constrictions. Playing with the concept of appropriation and settling, the book works as protocol, as ritual, or as a narrative device where the same landscape is drawn again and again until to disappear.

« The smoke signal is a form of visual communication used over a long distance, to transmit news, signal danger, the selection of a new Pope, to mark positions during the war, or gather people to a common area. A primitive way of making something public. » José Quintanar

The Smoke Signal Library is a project by Ruohong Wu & José Quintanar. It’s a collection of second-hand books arranged and mixed to construct cross stories. A board game where we experiment and research about new possibilities to construct knowledge.

« The smoke signal is a form of visual communication used over a long distance, to transmit news, signal danger, the selection of a new Pope, to mark positions during the war, or gather people to a common area. A primitive way of making something public. » José Quintanar

The Smoke Signal Library is a project by Ruohong Wu & José Quintanar. It’s a collection of second-hand books arranged and mixed to construct cross stories. A board game where we experiment and research about new possibilities to construct knowledge.

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A project made in the summer of 2022 in Ghent, Belgium and curated by 019.

Archived in a publication format.

Publication
12 pages
12 drawings
12 found elements

« These drawings appear by chance during the process of separating a drawing into five layers with the intention of printing it on a riso printer with five inks. Black pencil on paper and eraser tool on an orange background ». José Quintanar

A gorgeous collection of playful poems by Rotterdam based visual artist, graphic designer and musician Linus Bonduelle.

Minimum drawings tell about multiple sections cutting through a chair.

This art book is released with 20 copies of every edition, every book contains 20 pages, 20 drawings of 20 lines.

« The inspiration for this book came from a theory about space-time as a loaf of bread. For more info about this theory I suggest googling ‘Time is a loaf of bread’ and tumbling down the rabbit hole. » Freddy K
A book for astrophysics enthusiasts, people who are sick of time being linear and bread lovers.

« It’s a book showing my collection of stickers. I’ve been collecting stickers since 2015 and first made this book in 2019 as a single copy by duplicating my entire sticker collection using my old black and white laserjet. Reproducing the collection in black and white really emphasizes the grid patterns. Love it. »  Maya Strobbe

‘Actually I have to admit that illustrator really grew on me in the last couple of months’, the second edition of ‘I hate illustrator and illustrator hates me ‘(2017)

The bad ideas published in this book were collected on several occasions in 2020 and 2021: during the exhibition ∞unendlich∞ organized by FAIL on the town’s square of Thallwitz, the exhibition Appointment X in @gfzk.leipzig and as a part of FAIL’s collaboration with the Regis-Breitingen juvenile detention center, a youth prison facility.
I am beyond excited to finally be able to share all the bad ideas we collected from all these wonderful people.

« A leporello book that unfolds into a ~160 cm rainbow of little round stickers, all collected from big and small stores throughout the years. Every sticker is meticulously placed by hand.
Instructions: let somebody show this book to you by asking them to place it on the floor and lift the handle. Step back and watch. Switch roles. »

Dosoung Kim entame en 2019 son parcours de demandeur d’asile en France, qui va durer plus d’un an avant qu’il ne réussisse à obtenir le statut de réfugié. Livre d’artiste fait de textes et d’images, La chose à l’envers est le fruit de ses souvenirs et des lieux qu’il a traversés au cours de ces plusieurs mois. Un cheminement qu’il retrace dans les trois volets de cette édition, d’abord avec ses mots, dans La nuit devant la préfecture, avec ceux des autres, ensuite, dans Ça fait trois jours que je les appelle et personne ne répond, et enfin, à travers la figure allégorique et tutélaire de la République française, dans Les visages de Marianne.

« The image of the record is scanned from a record sleeve that is used in second hand or sale record displays on the occasion when the original sleeve has been lost. It has been cut out so it resembles the vinyl part of a 12 inch record, the size is accurate and is folded in quarters with a further fold. It is glued to two sections of a record sleeve that has been cut into quarters to form a minimal pop up book. »

« I took the photographs in this publication during the last weekend that IKEA Tottenham was open before it closed down in August 2022. The shop displays empty and broken down.
The publication uses the format of the free category brochures that IKEA produces and compiles these images with graphics and text appropriated from IKEA publicity and advertising material. »
Sara MacKillop

Sharp Smile was an exhibition project conceived for MACRO, Rome, by artist Eva Barto to unfold with and in contrast to its counterpart in Paris, the show Weak Tongue at Le Plateau – Frac île-de-France. Both exhibitions, which took place one after the other in 2022, continued and expanded Barto’s research into the relationships that govern the codes of property and production, and in particular into the legal and economic infrastructures that regulate liaisons of philanthropy and patronage in the contemporary artworld and beyond.

While Weak Tongue focused on the ambiguities of omission, on the manipulations, interpretations, and deviations of rules and of laws, which exist to protect both those who make and those who circumvent them, Sharp Smile, on the other hand, disclosed the very mechanisms concealed by the Parisian exhibition by implementing a seemingly opposite strategy: virtue signalling.

The current publication gathers the elements of negotiation involved in both projects.

Le livre de musique original a été trouvé en Suisse et les peintures de Cain qui s’y superposent entrent en collision avec les notes manuscrites de l’ancien propriétaire et y répondent. Music Book est une extension des œuvres sur papier de Cain qui transposent sa pratique de l’installation et de la peinture à grande échelle : ces œuvres sont des méditations intimes, complexes et à petite échelle.
Cain peint Music Book depuis 2008 et l’a transporté dans trois studios. « C’est ce journal du temps que vous pouvez ouvrir, commencer, refermer, ranger, comme un journal intime ».

Le récit inédit, reproduit en fac-similé, du voyage à Paris de Frédéric Bruly Bouabré (1923-2014), poète et artiste ivoirien, « prophète », créateur et inventeur de l’alphabet bété, qui rédige un « rapport » de sa rencontre avec le monde occidental à son retour de l’inauguration de l’exposition Magiciens de la Terre.

Ce livre d’artiste présente une série de photographies de l’artiste new-yorkais, prises durant ses fréquents voyages en avion : depuis le tarmac jusque dans les airs, Marcopoulos propose une expérience poétique du transport aérien.

26 dessins de l’artiste japonais (première publication de Masanao Hirayama à paraître chez Nieves sous forme de livre, après quatre titres publiés dans la série de fanzines photocopiés du même éditeur).

« Et si le chuchotement pouvait être la métaphore d’une manière de créer et vivre au sein de de la biodiversité ? Etre dans l’observation et l’écoute, en laissant une trace présente mais douce ?
L’atelier devient alors un jardin, le lieu d’exposition une dune, l’écoute profonde une méthode de travail et d’échange avec le public et le lecteur.
Le Chuchotement est le nouveau livre d’artiste de Félicia Atkinson qui rassemble photographies, dessins, et poèmes. Ils gravitent autour de l’installation éponyme située sur la pointe d’Agon (50). Là se trouve une dune, acquise par l’artiste pour Le Conservatoire du Littoral, où se tient une sculpture en bois percée. Autour cette sculpture, à l’intérieur de cette parcelle sauvage et face à la mer, le marcheur est invité à devenir un chuchotement, et à écouter ce qui l’entoure. »

The pickle is a recurring figure in Erwin Wurm’s work. In 2008, he created an installation titled Selbstporträt all Gurken (Self-portrait in pickles). To compose the piece, he emptied a jar of pickles, encapsulating each one within painted resin, and placing them on individual pedestals. Each condiment was then photographed following the same protocol. The artist’s book « Self-portrait as 47 pickles » presents this series of photographs.

Réalisée entre  2018 et 2019 la série de natures mortes Tapes est une ode à la fin des années 80 et à la magie de la cassette audio. Le photographe Giasco Bertoli a retrouvé et reproduit les K7 qu’il enregistrait à son adolescence. Imprimées en risographie noir et blanc à l’échelle 2,5 pour le livre, cette collection compile la bande son d’une époque révolue. Enjoy the silence.

Après « Siam’s Guy », le magazine érotique thaïlandais que l’artiste s’est réapproprié dans un livre, Tiane Doan na Champassak revisite cette fois-ci un certain nombre de numéros du magazine iconique « Paris-Hollywood », lancé en France dans les 1940’. Au milieu de ses pages, le magazine original avait la particularité de présenter des images de pin-ups en relief ou sur du papier calque que le lecteur pouvait déshabiller. En utilisant son vaste arsenal d’outils post-moderne, Doan na Champassak transforme le contenu original de ces magazines avec ses propres images, créant aller-retour hypnotique entre l’époque et aujourd’hui ; habillé – nu ; Bangkok – Paris ; reflétant ainsi, d’un point de vue unique, la politique du corps féminin et sa représentation photographique au cours des dernières décennies.

Le 9 février 2020 à Mexico, Ingrid E.V, 25 ans est assassinée par son compagnon. Des images théâtralisées du féminicide commis par Erik Francisco Robledo Rosas, réalisées sur le lieu du crime par les autorités ont fait la joie des tabloïds mexicains qui n’ont pas hésité à diffuser en une le corps dépecé de la jeune femme. L’opportunisme de la presse à scandale et la corruption policière ont suscité une large vague d’indignation. En réaction, suivant l’invitation d’un tweet à faire disparaitre du flux des réseaux sociaux ces images macabres, les internautes du monde entier ont massivement postés sous le hashtag #IngridEscamillaVargas des photographies de lacs paisibles, de couchés de soleil ou encore de champs de fleurs. Sensible à ce geste participatif, Zoé Aubry, qui depuis 2017 poursuit son travail sur les assassinats systémiques et structurels que sont les féminicides et la problématique de leur représentation médiatique, a imaginé un ouvrage qui rend hommage à la mémoire d’Ingrid Escamilla Vargas, dénonce les violences faites aux femmes et pourfend le voyeurisme d’une certaine presse. Sensible à ce geste participatif, Zoé Aubry, qui depuis 2017 poursuit son travail sur les assassinats systémiques et structurels que sont les féminicides et la problématique de leur représentation médiatique, a imaginé un ouvrage qui rend hommage à la mémoire d’Ingrid Escamilla Vargas, dénonce les violences faites aux femmes et pourfend le voyeurisme d’une certaine presse.

This book of multivalent narratives began with a simple premise: the collection of sheets of paper—ripped from books—featuring multiple photographs and inlaid narratives. Across a decade of working on other projects involving pulling images apart from one another, excising them from the page and recontextualizing them as new sets, American artist Carmen Winant (born 1983) diligently collected disparate sheets, skimming them off the top of her other ongoing collections. The book that has resulted from that work is wide-ranging in terms of subject—with sheets depicting rabbinical study, dog training, surgical birth, methods of tantric sex, patterns of the sunset—yet specific in approach and application. Her constructed pages trouble how the idea of “theme” operates as the engine of a book, instead taking the act of arranging, both in discrete pages and as a whole, as its own meaningful subject. (from spbh)

« Incomplete Dark Alphabet est un projet à plusieurs possibilités. C’est une archive d’images et de sons, basés sur l’évocation de pochettes d’album de black métal, de l’univers du tatouage et d’images de la peinture préraphaélite collectionnées par Merryl Bouchereau. Merryl dessine à partir de cette collection des nouvelles images. À partir d’un dossier de travail commun, le livre est composé et assemblé, les images sont automatiquement ajustées pour s’adapter à la mise en page, les chapitres sont définis par l’architecture du système de fichier, la mise en page est automatisée. Chaque modification majeure donne une nouvelle version de l’édition. » incompletedarkalphabet.ink

Ce travail a été réalisé lors de 3 voyages en Crète, entre 2018 et 2020, avec le soutien du fonds de dotation agnès b.
Les images de ce livre sont toutes issues de la reproduction de cyanotypes réalisés par l’auteur.

Entretiens avec un ensemble d’éditeurs pionniers de livres d’artistes : herman de vries, Michel Durand-Dessert, Guy Jungblut, Yvon Lambert, Irmeline Lebeer-Hossmann, Maurizio Nannucci, Maurizio Spatola.

Cet ouvrage recueille les témoignages, en français, d’un ensemble d’éditeurs de livres d’artistes parmi les premiers. Durant les deux décennies fondatrices 1960 et 1970, ils ont été des pionniers dans le pays où ils exerçaient et où certains exercent encore : herman de vries en Allemagne, Irmeline Lebeer-Hossmann et Guy Jungblut en Belgique, Yvon Lambert et Michel Durand-Dessert en France, Maurizio Nannucci et Maurizio Spatola en Italie.

coll. « Grise » vol. 7

Cet ouvrage recueille les témoignages, en anglais, d’un ensemble d’éditeurs de livres d’artistes parmi les premiers. Durant les deux décennies fondatrices 1960 et 1970, ils ont été des pionniers dans le pays où ils exerçaient et où certains exercent encore : Hansjörg Mayer en Allemagne, Simon Cutts en Grande-Bretagne, Leif Eriksson en Suède.

Ce livre est l’aboutissement du projet Ka Kualmaku mené fin 2018 durant une résidence de l’artiste en Colombie, à Lugar A Dudas, durant laquelle il a entrepris d’apprendre une langue dite « en voie de disparition ». Après de nombreuses présentations, le projet est exposé pour la première fois dans son intégralité à la galerie Florence Loewy du 26 au 28 janvier 2023.

Aussi : est une bibliothèque de souvenirs en écriture. Par une opération d’ordre amoureuse j’ai, dans un premier temps, extrait de ma bibliothèque des livres chargés d’affect. Ces livres qui ont accompagné mes voyages et mes errances d’artiste, mes rencontres, mes oisivetés, mes discussions entre amis. Ces livres qui troublent par leurs seules présences. Puis je les peins, sur fond monochrome, à l’aquarelle. Parallèlement, je déroule à l’écrit les souvenirs qui ont marqué le livre. Des poèmes. Les accotes pour former un couple.

A good work of art can be approached from different angles. A great one can be read upside down. For Leporello N° 06, Maurizio Nannucci continues his explorations of language, which has become a signature of the artist, as manifested across an expansive range of media over the past six decades.

Following Ryan Gander’s moon sequence in Leporello N° 04, Jonathan Monk proposes that a new day is dawning. Saving himself the cumbersome task of yet again* walking in Ed Ruscha’s footsteps along the seemingly endless Sunset strip, Monk captures the zeitgeist through more accessible means. With the camera of his iPhone 12 set to Panoramic mode, Monk photographed Ruscha’s 1966 milestone artist’s book – perhaps the most celebrated book to ever utilize the leporello format.

Contributions by Dietmar Busse, David Carrino, Jeff Davis, Florence Derive, David Dupuis, Gareth McConnell, Jack Pierson, Samoa, Clement PJ Schneider, Janet Stein, Paula Stuttman, Richard Tinkler, Jordan Wolfson.

Tomorrow’s Man 5 comes in five different covers, randomly distributed.

This artist’s book is the book-form of a work by Matt Mullican, « The Meaning of Things (who feels the most pain?) » (2014), con sisting of 676 collages and texts on sheets of standard printing paper.

At the approximate center of each collage is a small image that appears to be a printout of an image procured from the Internet. Around the images are hand-drawn, quasi-calligraphic marks (in black only), curved, giving the impression of an « organic » form in the manner of ornate, rococo frames. The series develops a narrative of interests, practices and collective representations that suggest and disavow each other. Mullican deftly challenges this simple to-and-froing of « virtual » and « real » by suspending the idea that only through the material/physical printing out of the digital images, the content of the images is « restored » back into the « real »—to grasp the « meaning of things » comes at the price of « feeling the most pain ».